Natalia Royo, formada en la Escola Llotja de Barcelona, es una enamorada de la obra gráfica, en especial de la utilización de la serigrafía para la impresión de proyectos artísticos. En 2014, abrió Tintaentera, un taller de obra gráfica en el cual se dedica a editar obra de artistas, estampar por encargo y dar clases de serigrafía y grabado. Un taller, situado cerca del zaragozano Parque Pignatelli, que se ha ido transformando con el paso de los años y la evolución del mercado y de los intereses del público. Eso sí, sin perder en ningún momento el espíritu creativo de obra gráfica con el que se inició el camino. 

Inicios 

Mis primeros pasos los di en Barcelona, cuando estaba estudiando allí un máster que hice de espacio público. Me apunté a un taller con una grabadora que me pareció maravilloso y me enganchó la técnica. El grabado es una técnica que te enamora. De allí pasé a hacer el ciclo de grabado y técnicas de estampación en la Escola Llotja. Cursé esa formación con el objetivo de volver a mi ciudad natal y montar un taller de obra gráfica, que era algo que tampoco en esos momentos no había una oferta, y para mí era importante volver a mi ciudad, aportar lo que había aprendido y disfrutar con la obra gráfica, desarrollando también en mi propio espacio mis propios proyectos artísticos.  

Obra 

Mi trabajo consiste en enfocar todos los encargos que entran de estampación a la serigrafía o al grabado. Soy estampadora y esa es una diferencia importante entre otro tipo de técnicas de impresión, ya que la impresión al final la produce una máquina, aunque esté dirigida por profesionales en la parte de atrás, y el oficio de un estampador o estampadora, como es mi caso, se dedica a ver el proyecto desde que lo trae el cliente, analizar cómo se puede realizar en una de las dos técnicas de estampación y sacarle el máximo provecho, adaptar esa obra a una nueva versión, que sería la serigrafía o el grabado.  

Mi obra la definiría como llena de color, de texturas, ya que me gusta mucho jugar con las texturas. Soy bastante abstracta a la hora de crear. Aunque puedo hacer cosas más figurativas, me suele tirar más la geometría o la abstracción y me gusta mucho el color, jugar con colores, con superposiciones. El color para mí es fundamental en la obra y, aunque también he hecho cosas en grabado, en tonos negros, el color siempre me termina llamando. Es como mi vínculo para la creación. La verdad es que no busco muchas veces transmitir nada en concreto con mi obra, sino que me dejo disfrutar o experimentar con esos colores, y a lo mejor sí que es por una necesidad de exteriorizar, que estamos vivos, que necesitamos que la vida esté llena de color y no de penurias y de cosas tristes, que es un poco lo que también nos hace tener más vitalidad.  

Tintaentera 

Tintaentera es un taller de obra gráfica que monté en el 2014. Mi objetivo era enfocarme principalmente a la obra gráfica y coger cada vez más proyectos de ese tipo de índole. Al final también han surgido otro tipo de proyectos enfocados al textil, estampaciones que se pueden hacer en serigrafía. Otra de las cosas que también hago es dar clases, enseñar las técnicas a los alumnos que quieren aprenderla, y alquilar el espacio a artistas que no tengan instalaciones propias y puedan desarrollar aquí de una manera fácil sus proyectos de serigrafía o de grabado.  

Proyectos 

Tenemos ahora un proyecto muy bonito, muy interesante, con Silvia Peggins, que es para el Pablo Serrano, el Museo de Arte Contemporáneo de Aragón. Y además han entrado también dos proyectos que tienen que estar antes de que acabe el año. Uno es para Bodegas Enate y otro es para una empresa de Huesca, que también en ese compartiremos lo que es el trabajo de estampación con mis compañeros de Taller Mooses. Ellos se van a dedicar más a lo que es la reproducción, porque es un cuadro bastante complicado de sacar en serigrafía, y las carpetas que sí que van a ir serigrafiadas me encargaré yo de hacerlas.  

Futuro 

El papel va a estar vivo siempre. Lo que pasa es que es un poco complicado en el mundo actual, que los que nos dedicamos al tema papel, a la obra gráfica, al libro, a la estampación, incluso a la impresión, sepamos cómo podemos llegar al público. Pero al final se materializa con el tacto. Eso es algo que cuando vas a una feria o cuando haces una edición y el cliente ve algo estampado sobre papel y ve la calidad, le transmite algo. Por eso, por muchas cosas digitales que puedan existir, el papel no se va a perder.  

Inteligencia artificial 

Con la inteligencia artificial, mi relación a la hora del trabajo, del día a día, es nula, porque realmente yo no utilizo esta herramienta que ahora está tan en auge. No la utilizo, en ninguna de sus posibilidades, porque no es que no me interese, sino que no le veo para mí ahora mismo posibilidades. Igual en un futuro, analizando herramientas y demás, podría llegar a tener algo de interés.  

Derechos de autor 

En ningún momento me he planteado que una gestión de los derechos tendría que ser algo muy controlado por mi parte. Igual confío demasiado en el ser humano. En el sentido de creer que nadie te tiene por qué usurpar tu diseño. Eso es algo que debería estar implícito en la creación. Si un creador ha hecho un diseño, no tiene por qué basarse específicamente de ese diseño para hacer una copia. Todos nos podemos inspirar de otros artistas y nos hemos inspirado. Si buscas, seguramente hay muchísima gente que utilice colores como los utilizo yo, o formas de estampar muy similares. Pero es verdad que los derechos de autor son algo que hay que trabajar. No, no, pues ya está, es muy fácil y no duele casi.

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Sara Monge terminó sus estudios de Cerámica Artística en la Escuela de Artes de Zaragoza en 1999 y en el 2000 los de Alfarería en la Escuela Taller de Cerámica de Muel. Desde entonces han pasado más de 20 años de experimentación y enriquecimiento personal, de exposiciones, de ferias de artesanía, de concursos de piezas únicas y de colaboraciones en proyectos de diseño. Convencida de la capacidad para transmitir emociones con los objetos de uso cotidiano, cree que los objetos que nos rodean deben ser tan bellos como esculturas. Un pasión y convencimiento que le aporta el equilibrio y la armonía que intenta transmitir con sus piezas de cerámica. 

Estilo 

En los últimos tiempos me dedico a la cerámica, pero hace unos años que descubrí las fibras vegetales y combino la cerámica con las fibras vegetales. Llevo unos años aprendiendo técnicas de cestería tradicional y lo combino con mi obra cerámica. Parto de una base de cerámica, la preparo para que tenga un sistema para engancharlo a las fibras. Es como continuar modelando, pero con fibras vegetales. Hago una cerámica contemporánea. Lo que pasa es que me inspiro mucho en la tradición. Utilizo técnicas tradicionales, tanto de cestería como de cerámica, pero doy un enfoque más contemporáneo. 

Pasión 

Estaba estudiando en la universidad en el último año, no relacionado con las artes y, como por las tardes tenía tiempo, me apunté a un curso de cerámica porque me gustaba mucho hacer cosas con las manos. Y el primer día de clase hablamos del raku, una técnica de cocción oriental que combina los cuatro elementos, sacas la pieza del horno cuando está incandescente, la metes en un bidón con serrín, hojas, ramas y sale mucho fuego, mucho humo, es como muy impresionante. Y ahí fue el flechazo. Terminé ese año en la universidad y el año siguiente ya me apunté a la escuela de artes y en septiembre ya estaba empezando. Aparte de mi profesión, es mi forma de vida.

Soy ceramista 24 horas al día. Porque incluso cuando estoy de vacaciones o cuando estoy dando un paseo por un bosque, pues veo texturas, veo materiales, incluso los voy cogiendo como una ardillita, voy cogiendo todo eso pensando en cómo lo puedo aplicar a mis piezas. O sea que sigue siendo mi pasión e intento transmitir equilibrio, armonía y autenticidad. Me he dado cuenta, en los últimos años, que cada vez elimino más elementos de las piezas. Incluso dejo de utilizar esmaltes y de decorar las piezas. Trabajo las texturas para que sea el protagonista el material. Y las formas también son cada vez más sencillas. En un mundo tan ajetreado creo que necesitamos calma. Y eso es lo que intento transmitir con mis piezas. 

Evolución 

Cuando terminé en la escuela de artes hace 25 años empecé haciendo un tipo de pieza más utilitaria, más de uso. Y, poco a poco, fui evolucionando hacia el diseño. Me parece muy interesante la capacidad de transmitir emociones que tienen los objetos de nuestro día a día. Y tanto el diseño como la artesanía tienen mucho que aportar en este sentido. Nos pueden condicionar e influir un poquito en que nuestro día a día sea un poco más agradable. Que una pieza cumpla su función, sea agradable de usar, tenga una textura, unos colores y una forma que resulte agradable, eso influye en nuestro estado de ánimo.  

Inspiración 

No soy muy original porque creo que no hay diseños más bonitos que los que puedes encontrar en la naturaleza y más perfectos, la imperfección de la perfección. Todo lo que encuentro, si voy por un bosque y cojo una ramita, una semilla y las pongo directamente en la pieza. Creo que, en un mundo que está tan industrializado y tan digitalizado, necesitamos volver a conectar con la naturaleza. Y yo creo que eso está muy presente en mis piezas.  

Creación 

Depende de cada pieza. Cuando voy a hacer una pieza que mezcla cerámica y fibras sí que tiene que ser un proceso más planificado porque tiene que llegar a un punto en que se unan los dos materiales. Tengo que pensar muy bien cuando se van a unir y que los dos materiales también estén en su punto. Que el barro esté en su punto de plasticidad, que las fibras estén elásticas y eso se nota cuando lo llevas bien controlado que salen movimientos más fluidos. Y sí que empiezo con un boceto para que me ayude a pensar cómo resolver los problemas que me pude ir encontrando. Cuando es una pieza de modelado puede ser algo más intuitivo, ahí no necesito planificar tanto y ya me dejo llevar un poco con el material. O sea, eso que te pones con el torno. La creación depende mucho también de si estás contenta, si estás triste… Tu estado de ánimo se refleja mucho en el tipo de piezas que haces.  

Inteligencia artificial 

No me resulta muy interesante. ¿Qué utilidad podría tener la inteligencia artificial en la cerámica? Yo la uso para la burocracia, para presentar un proyecto, para redactar un texto. Pero a nivel creativo, creo que la inteligencia artificial no puede hacer la parte que tenemos más humana, que es la creatividad y la emoción. La inteligencia artificial no puede llegar a eso, a lo que nos hace más humanos, nos diferencia de las máquinas.  

Derechos de autor 

Como hago sobre todo piezas únicas, es muy difícil porque no puedo registrar cada pieza que sale de mis manos. En ese sentido lo veo complicado. Siempre puede influir en gente que trabaja de una manera parecida. Todos tenemos un banco de imágenes que transmitimos luego cuando empezamos a moderar una pieza. Sin embargo, cuando es una pieza de diseño con la intención de comercializarla y que tenga un recorrido, ahí sí que son muy importantes los derechos de autor, porque cuando una pieza sale al mercado, te copian la que funciona, por supuesto, no te van a copiar la que no funciona. 

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Buscamos a Sfhir «por arte ilegal». Y lo encontramos en 95 Art Gallery, demostrando que su proyecto en el barrio madrileño de Carabanchel puede romper en el mundo de las galerías tantas convenciones como él lleva haciendo en el arte urbano desde 1995.  

Hugo Lomas, el nombre con que fue bautizado, es hoy uno de los muralistas más influyentes de la escena internacional. Halago justificable con tan solo recordar hitos como su reconocimiento como «mejor muralista del mundo» en 2023 por su violonchelista en la localidad coruñesa de Fene o, el más reciente, La musa de Vistalegre, un mural de 1.100 metros cuadrados (el más monumental de España, se dice) que engalana el emblemático Palacio de Vistalegre de Carabanchel. 

Ambas obras son ejemplo de la maestría al leer las posibilidades que un muro, con su arquitectura y sus imperfecciones, ofrece a su paleta de espráis. Un creador de iconos urbanos que, quizás, nunca hubieran visto la luz sin la iniciativa de un profesor de instituto que supo reconducir la rebeldía adolescente. Gracias a su «castigo» nacía el tagger Sfhir, un artista que lucha por no perder su rebeldía creando una galería que califica de «punki», aunque reconoce que su actual reconocimiento es útil a la hora de defender sus derechos de autor, en otros tiempos ni reconocidos ni retribuidos. Escucha su historia en este vídeo.     

Premio al mejor muralista del mundo en 2023 

Pues mira, lo primero que he de decirte es que no soy nada fan de los concursos. Porque un mundo como es el artístico, con tantos egos y tan competitivo, porque nuestra sociedad ya desde pequeñitos nos enseña a competir, a llegar antes que el de al lado, y creo que es bastante horrible como concepto. Dicho lo de que no me gusta la competición, también he de decir, he de ser sincero, que nos ha apoyado mucho como sector. Entonces, te diría que se me han abierto muchas puertas en estos dos años y que ha sido una locura, o sea, que no paro de currar. 

¿Quién es Sfhir? 

Pues la verdad, soy un chaval de barrio que empezó pintando grafitis en la calle, teniendo muchos problemas por pintar en la calle. Porque lo que ello conlleva, al final, no solo son problemas con el ayuntamiento que te ponga multas, etcétera, etcétera, sino problemas con tu familia… Problemas con otras bandas de chavales, porque al final pues el territorio acaba siendo limitado, los sitios para pintar son limitados y hay muchas tensiones entre unos y otros. Vamos, los inicios son duros, ¡eh! Pero creo que es lo que te curte, y te hace luego sacar la cabeza en, como te comentaba, una sociedad tan competitiva como la que vivimos. 

‘Se busca por arte ilegal’ 

Creo que somos personas normales, como cualquier otra, que desarrollamos un oficio, muy bonito en este caso, que venimos de unos orígenes muy duros, como son pintar en la calle, y que creo que es importante que la sociedad entienda que somos la misma persona, tanto el uno como el otro. De ahí viene mi eslogan, «Se busca por arte ilegal». Son dos conceptos totalmente contrapuestos que la sociedad entiende completamente distintos. Me gusta juntarlos para que se den cuenta que es lo mismo. 

Vivir de un arte clandestino 

Te vas dando cuenta con el tiempo de que aquello que haces tiene un valor añadido, un valor material y que hay mucha gente que está detrás de ello, que quiere tenerlo en su poder. El arte urbano es un concepto que se generó para englobar a todo esto que viene del graffiti, pero muchas otras veces no solo viene del graffiti, sino que puede venir de la cartelería, de la publicidad, de muchos otros ámbitos. Y creo que la profesión ha ido evolucionando un poco, también por ejemplo, con mi generación. Porque cuando empecé a pintar, no existía la profesión en sí, sí que existía la profesión de aerografista y existían las profesiones de pintor, de retratista, de muchas otras cosas, pero no la de muralista propiamente dicha. 

Origen de la firma Sfhir 

Quise romper con esta parte, a mi entender, más infantil de mi arte, y empezar a pintar Sfhir, a raíz de que me pillaran en mi instituto pintando, el conserje, y me llevaron al despacho del director y me dijeron que me iban a expulsar tres días, ¡eh! Se enteró de todo esto el profesor de dibujo Antonio Lancho, y lo que hizo fue hablar con el director y decir, «Mira, traerme a este chaval que le voy a cambiar el castigo», ¿vale? 

Con lo cual, yo fui a su despacho y me dijo, «mira, te voy a cambiar el castigo. No te vamos a expulsar, te vamos a castigar a que repitas el mural, pero bien hecho. Y te voy a dejar este libro de la historia del graffiti, se llama Los Graffitis». El libro y bueno, pues cuenta cómo se inició todo este mundo en Estados Unidos, cómo en los barrios pobres pintaban en los metros y en los trenes para que estos vagones viajaran y llegaran a más gente posible, era como un grito de «estoy aquí», ¿no?, de esos barrios pobres y marginales. 

A mí me fascinó todo esto, y fue como un boom en mi cabeza, me lo devoré en escasos días. Me preparé mi boceto, me lo curré que te cagas y la verdad que para mí fue un antes y un después. Con lo cual, decidí también cambiar la firma que tenía antigua por una nueva, ya que me lo estaba tomando mucho más en serio. ¿Y mi nombre?, pues lo elegí un poco intentando que fuera único en el mundo. 

El buen profesor 

Pasaron 20 años de este hecho que yo te estoy contando, ¿vale? Y me encuentro pintando en una feria de arte en el Colegio de Arquitectos. Entonces, yo, la semana previa, había concedido una entrevista para televisión, creo que fue, y conté esta misma historia. ¿Qué pasó?, que el profesor que yo te estoy diciendo, la vio. 

Estoy yo en la feria de arte pintando en directo, y de repente se me acerca una persona, pues así mayor, con el pelo blanco, me dice, «Oye, mira, eh, ¿sabes quién soy?» Y le digo, «Pues no tengo ni idea». Me dice, «Pues mira, es que he venido a traerte un regalo». Y claro, cuando me sacó ese libro que me había prestado 20 años atrás, a mí se me cayó una lágrima. 

Dije, «No me lo puedo creer, eres Antonio Lancho». Y me dijo, «Claro que sí». Dijo, «He venido a traerte este libro dedicado y bueno, quiero que sepas que en mis clases de arte he estado poniendo diapositivas con tu grafiti mítico de ‘Se busca por arte ilegal’, contando pues, toda esta movida de la dicotomía del arte y la ilegalidad, etcétera, etcétera, sin saber que tú eras aquel chaval que yo, en su momento, había influenciado». 

Quiero lanzar este mensaje para todas aquellas personas que son docentes, que, por favor, traten de motivar a esos chavales que ven problemáticos, porque muchas veces dentro de ellos hay una pasión que se está encauzando por un camino que no es el correcto, pero que, con una determinada formación y con una determinada influencia de personas que ellos consideran como referentes, se puede llevar a buen camino. Es mi ejemplo; es que yo era un desastre, y siempre estaba en el despacho del director. Era un chaval problemático y realmente lo que necesitaba es que alguien me encauzara, me dijera lo que estaba viviendo. 

Murales tridimensionales 

Recuerdo que hice un mural anamórfico en un túnel, en el que parte del túnel se metía hacia dentro y había un ángulo de a lo mejor unos 80º, 70º, lo que generaba una perspectiva muy aberrada en la parte que entraba hacia dentro. Entonces, medio dibujo lo hice en un lado y medio en otro, generaba una sensación de 3D que parecía que el muchacho que pinté en aquel momento estaba asomándose del túnel. Luego también utilicé un manchurrón, que había de la propia construcción, de cemento que había caído un chorretón, para generar una sensación de que le estaba cayendo agua al muchacho en la cabeza. Entonces, ese fue mi primer mural que interactuó con las tres dimensiones. A partir de ahí, fui desarrollando esta técnica más y más y más, y hasta el día de hoy. 

95 Art Gallery: una galería punki  

Pues mira, te diría que somos un poco los punkis del sector del arte, porque hemos llegado sin respetar ningún tipo de normas, o sea, paredes blancas para exponer la obra fuera, murales conviviendo del propio artista que pinta las obras encima. Creo que no estamos cumpliendo ninguna de las bases que estaban muy asentadas del mundo clásico de las galerías, pero creo que, al mismo tiempo, también es un poquito de frescura, ¿no? Dentro de un mundo tan encorsetado y tan cuadriculado. Yo, desde luego, me encuentro cómodo en ese registro, y muy ilusionado, porque la acogida ha sido brutal.  

Derechos de autor en el arte urbano 

Se han cometido verdaderas barbaridades con obras, sin ningún tipo de permiso. Pues te digo, por ejemplo, no sé, portadas de libros, de revistas, pues cameos que se han realizado en publicidades que están vendiendo un determinado producto, y todo esto sin ningún tipo de autorización del artista. Y más allá, no solo de autorización, tampoco de información del propio artista. Este es el pan nuestro de cada día. 

También te digo que, a día de hoy, a mí me contacta muchísima gente para intentar gestionar esos derechos de autor, pero porque llega un momento que se te da más importancia, y ya, entonces, cambian un poco los roles. Pero al principio, en los inicios, nadie te respeta, y menos aún grandes tiburones como son marcas, o cosas así, que fagocitan tu trabajo, ¡y nada!, se están lucrando, y nadie te está aportando ni un duro, ni un crédito, ni absolutamente nada. Sí que es verdad que ahora hay otra gente que lo hace por mí, ya estoy en otra posición, que es como te comentaba, pero creo que hay que respetar el arte, seas quien seas. 

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Rebeca Opic es una artista multidisciplinar y gestora cultural zaragozana formada en Bellas Artes en el campus universitario de Teruel. La artista aragonesa ha sido la ganadora del Certamen 4Artes, organizado por la concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Zaragoza. Opic logró el primer premio en la categoría de Pintura, con un lienzo titulado Hueco. La obra de esta creadora (instalaciones, pinturas y esculturas), acostumbran a plasmar sus vivencias a través de un estilo expresivo y con ciertos toques surrealistas. Una forma entregada al fondo: denunciar la crisis global de la adicción a los opiáceos y la precaria situación de la salud mental infanto-juvenil actual, abogando por un sentimiento de colectividad y empatía. 

Obra 

Mi trabajo consiste en crear y, básicamente, en plasmar de forma material lo que imagino, uniéndolo con los conceptos de las cosas que me interesan en el momento. Ahora mismo, por ejemplo, estoy más metida en lo pictórico y en lo escultórico, pero eso no quita el que también esté pensando en hacer una instalación pequeña que vaya aunada con el resto de piezas dentro de una exposición más grande. 

Reivindicación 

Estoy desarrollando Durmiéndome viva, una serie de piezas que hablan sobre el concepto de la psique medicada dentro de lo que es el paradigma de la salud mental infanto-juvenil y de cómo la falta de recursos hace que las personas de estas edades, pero también de otras evidentemente, caigan en el uso de ansiolíticos y medicación de opiáceos para poder paliar la falta de recursos a la hora de recibir terapia. Que sería en verdad como nuestra utopía de cómo sería la salud mental ideal hoy en día. Con esta exposición intento reivindicar un poco esa necesidad que se tiene hoy en día de poner un poco la mirada y el foco en esta casuística. 

Catarsis 

Definiría mi obra como una catarsis personal que se enfoca a través del arte para mostrar, sobre todo, las cosas que me interesan y que me preocupan, porque como ya no solo como artista sino como persona, tengo mis intereses, tanto estéticos como conceptuales, y siempre estoy en una constante vorágine de imaginación creando. Y sí que suelo tener como bastantes visiones de lo que quiero hacer. Tampoco soy una profeta, pero sí que suelo visualizar en mi mente lo que quiero materializar. Intento investigar cómo hacerlo. Amago como un planning y lo pongo en práctica. 

Misión 

Con el proyecto en el que estoy trabajando ahora intento que las piezas causen un sentimiento en el espectador, que puede ser ya tanto de gusto estético como de introspección. Al fin y al cabo, eso sí que sería lo que querría lograr en el espectador, que tuviera ese momento de introspección al verlas y que captara su atención más emotiva para establecer un diálogo entre lo que es la propia obra y lo que cuenta. Lo que pretendo es que el espectador se conciencie de que hay que realizar un cambio y que ese cambio tiene que ser inminente. 

Inteligencia Artificial 

La inteligencia artificial se está viendo últimamente mucho como una espada de Damocles en la cabeza de todo artista, porque vemos como que nuestro futuro como creadores va a terminar en algún punto en el futuro, ya sea más próximo o más lejano, por el simple hecho de que la IA está ahora creando y está haciendo el trabajo de los artistas. Yo sinceramente no tengo este concepto en mente. Pienso que puede ser una herramienta muy útil, ya no solamente en el ámbito de la creación, sino en general. Se tiene que pensar en ella como lo que es, una herramienta, no un sustituto. Al fin y al cabo, la esencia de la creatividad humana es la originalidad, aunque puede estar influenciada por muchísimas otras ideas, obras, conceptos. Pero la sinergia que establece un ser humano haciendo una relación entre sus propias vivencias personales y todas esas ideas o conceptos que nos pueden rodear no puede hacerla una inteligencia artificial. Para mí, eso también hace que la propia creación humana sea completamente original.  

Derechos de autor 

Usar herramientas como Safe Creative te ayuda a tener tus derechos de autor bien asegurados, con todas las licencias en regla, y que, al fin y al cabo, si algún día puedes tener algún tipo de problema, como por ejemplo que una IA use tu obra y alguien la utilice luego y saque rendimiento, por ejemplo, económico, que tú puedas estar protegido y que nadie tenga el derecho, ni siquiera una IA, de poder usar tu obra, sin tu permiso, claro.  

Creators 

Me parece una plataforma con muchas opciones para dar a conocer tu obra, para que otros la vean. Y también, por ejemplo, me gustan mucho las características que tiene a la hora de tú editar tu perfil para poder poner tus obras. Me gusta el hecho de que también puedas poner en la descripción las características técnicas de la obra, para que sea algo también, ya no solamente meramente estético, sino como que la obra se pueda valorar en su totalidad como producto. Y también, está muy bien la opción de que puedas entrar en la venta de tu producto desde la propia plataforma, lo cual también es muy útil y a los artistas emergentes nos quita mucho quebradero de cabeza. En general, es una forma de desarrollarte a la hora de visibilizar tus obras y también de encontrar un feedback de cómo los demás ven tu obra, para también usarlo de propio portfolio profesional. 

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Nacida en Zaragoza (1991), estudió la carrera de Bellas Artes en Teruel, Madrid y Salamanca. En la actualidad, regenta su propio estudio en la capital aragonesa y es una de las artistas contemporáneas con mayor proyección. Su obra nace de unas referencias muy claras (anime, videojuegos, tatuajes, música urbana…). Y destaca por el contraste entre el fondo y la forma de su obra. Su lenguaje es digital, pero utiliza técnicas clásicas. Uno de sus proyectos más llamativos es Feat Project. En el que colabora con otros artistas en piezas conjuntas basadas en réplicas de la mítica consola Game Boy. Su obra, en definitiva, se perfila como uno los retratos más destacados de la pintura emergente actual de nuestro país. 

Mi trabajo 

Mi trabajo es un poco como esa habitación caótica en la que solo tú sabes dónde está perfectamente cada cosa. Ese caos que es la creatividad. En lo que se basa gran parte de mi trabajo es, por un lado, la observación. Es decir, las experiencias, viajar, estar con personas, visitar exposiciones, ver una película, escuchar un concierto… toda esa parte experiencial y de observación, que también incluye la investigación teórica, la lectura y tal. Y luego, el otro gran bloque sería la parte de investigación técnica, es decir, materiales pictóricos, escultóricos, cualquier cosa que sea necesaria como puente para bajar esa idea a tierra. 

Mi vocación 

Estudiar Bellas Artes fue una decisión difícil. Cuando era más pequeña decidí hacer el bachiller de Ciencias de la Salud y luego estudié Administración y Dirección de Empresas, pero bueno, todos hacemos locuras de juventud. Luego, reconduje mi vida y decidí ir a por lo que realmente era para mí algo más allá de una vocación, más allá de una pasión. Y, bueno, formarme en ello fue, para mí, un punto de inflexión increíble. Recuerdo perfectamente el primer momento en el que entré a un aula y, en vez de haber pupitres, había un caballete. Entré allí y tuve un sentimiento de pertenencia y de que estaba justo donde tenía que estar.  

Mi obra 

Definirla es limitarla. Creo que si hay algo que caracteriza lo que hago, es el cambio, el cambio constante. Soy una persona un poco neurótica, funciono por neurosis. De repente, durante seis meses me interesa una cosa muchísimo y todo lo demás no me interesa nada. Es súper radical, pero luego, de repente, viene otro interés, viene un material nuevo, viene una lectura nueva, viene una experiencia nueva. Al final somos canales de emociones, como lo somos todos. Por eso, mi obra está continuamente en cambio. No puedo definirla, es limitarla, no puedo definirla. 

Mis influencias 

Mi imaginario y mis referencias son súper variadas y muy cambiantes también. Algo que va un poco a acorde con lo que yo he aprendido en la escuela, toda mi filosofía de trabajo y de vida en general, que es lo mismo. Entonces, sí que es verdad que hay una influencia japonesa brutal, porque yo con 12 años, creo 11 o 12, pillé Evangelion, me atrapé y sigo atrapada ahí todavía. Pero luego es verdad que la cultura grecorromana me interesa muchísimo, toda la mitología, cómo ha sido la primera democracia… Son un montón de cosas muy interesantes para pensar y al final es mi herencia natural también, aparte de esta herencia japonesa que, por supuesto, tengo. 

Mi misión 

Me interesa más cómo saber qué se percibe de lo que yo hago. Porque, como se suele decir, el sentido de la obra lo completa la mirada del espectador, y aunque suene irónico que no lo es para nada, a mí me encanta que me expliquen mi cuadro, es que me fascina. Tengo muy claro lo que estoy haciendo y por qué lo estoy haciendo y cuál es la relación entre los elementos que uso, por qué los uso y tal, pero hay un millón de miradas sobre eso, y yo creo que eso es lo guay, que no sea yo la que tenga que transmitir, sino que, cada obra que necesita ser explicada, es que igual no es tan obra como parece. 

Feat Project 

Feat Project es una de las cosas más locas que he hecho en el trabajo y en la vida, probablemente. Todo empezó en un inocente año de 2020, cuando tuve que hacer una exposición con una compañera, Lidia Garvín, una artista madrileña, en Obertura Carabanchel, en Madrid. Ella hacía unas superficies marmoladas con plastilinas superchulas y yo acababa de hacer esta escultura que tenemos aquí detrás, Unknown Destroyer, que lleva una Game Boy rota en la mano. Esa Game Boy la hice a partir de la Game Boy con la que jugaba de pequeña, que le saqué un molde para luego positivarla en resina y tal. Entonces, metimos su obra dentro de la pantalla de la Game Boy, se vino aquí al estudio, estuvimos probando cosas, y de ahí nacieron las primeras Game Boys del proyecto.  

¿Qué pasa? Que al hacer esto, otros compañeros, otros amigos, otros artistas me propusieron de hacer una hacemos una. A otros se lo propuse. Surgió de una manera súper orgánica y así empezaron las primeras Game Boys. ¿Qué pasa? Que cuando llegamos a 2024, había colaborado con más de 85 artistas, había ya 110 Game Boys y había tomado esto la envergadura de lo que es Feat Project. Un proyecto que es una locura. Este proyecto realmente simboliza la democratización del arte, real y fiel.

Tanto desde el punto de la creación, ya que siempre es horizontal, es decir, se parte de la propuesta del colaborador, y yo en torno a esa propuesta, realizo la Game Boy del material del color que sea tal, siempre adaptada, y eso no es un proceso de cadena de montaje, es una conversación, un diálogo, un patio de recreo para salir a jugar. Y luego, por otra parte, también, a nivel adquisición, todas las Game Boys tienen un precio único. En resumen, Feat Project es un proyecto colaborativo, que está en continuo crecimiento, y que de verdad está en el top de locuras que he hecho en mi vida profesional y personal. 

Inteligencia artificial 

Mi relación con la inteligencia artificial es muy buena, siempre que voy a preguntar algo a ChatGPT le digo hola, buenos días, qué tal, cómo estás, y en el mismo párrafo para no hacer diferentes párrafos… En serio, diría que es buena, me parece interesantísimo, me encantaría saber qué estarían haciendo Miguel Ángel o Leonardo Da Vinci si hoy en día tuvieran una impresora 3D o ChatGPT. Ojalá pudiera mirar por un agujerito y verlo. Es una herramienta más, una herramienta de la que disfruta. Si tú no eres capaz de hacer buen uso de esta herramienta, también te tienes que responsabilizar. Pero creo que puede permitir, sobre todo, avances científicos, avances tecnológicos que son necesarios. 

Derechos de autor 

Me han pasado cosas muy curiosas con el tema de los derechos de autor, creo que es una cosa que los artistas en general desconocemos bastante. No entiendo cómo en Bellas Artes no hay una asignatura sobre cosas así. Hay que tener ciertos conceptos un poco claros para saber hasta dónde sí y hasta dónde no podemos llegar, o que te puedes esperar si ejecutas ciertas acciones, simplemente por conocimiento.  

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«Si quieres calor, no me pienso apartar; si quieres libertad, tienes todo el mundo para ir, volver, estar, sentir, pelear, caminar. Que nada sea tuyo, pero que todo sea parte de ti». La prosa poética de Iago De la Campa conquistó a miles de seguidores en la pasada década, de ahí pasó a poemarios superventas y recitales por toda España y parte de Iberoamérica. 

Hoy este joven poeta nacido en 1993 en A Coruña, reparte su tiempo entre La Disfrutona, su sala de conciertos en la ciudad gallega, y una escritura que le reclama más dedicación: «Seguramente, no para para ganar un sueldo, aunque nunca se sabe si puedo volver a dar un pelotazo, pero sí para seguir siendo parte de mí, que es de lo más importante». 

Y a la espera de conciliar vida y motivaciones, De la Campa lucha por recuperar los derechos de autor de unos libros que han quedado atrapados en la maraña legal por el cierre de la editorial que lo públicó. Del pasado, del presente y del futuro nos habla este poeta con los pies en el suelo en el último capítulo de nuestra serie Creadores.  

Qué debe contar Wikipedia sobre Iago De la Campa 

Yo creo que pondría, Iago De la Campa Pose, nacido el 20 de enero del 93, y nacido en Coruña, y gallego y escritor. Y escritor, que tengo —creo— 13 libros publicados, y tuve ferias por todo el mundo, estuve dos veces en México firmando y recitando, estuvimos por toda España, también, haciendo varias giras y firmando. Y que al final, es así como entre los libros y las firmas y demás, todo el mundo que me ha querido ver, me ha visto ya. 

Prosa poética, un género en auge  

Cuando empezó todo, más o menos con las redes sociales —2011… 2012… 2013…— ahí, sí que se vio cómo mucha gente empezó a leer, a consumirla con nosotros. Con autores como bueno, como Escandar [Algeet], como Carl Allen, eh Defreds… y yo saqué libro en 2016, el primero, el de Viajes a Kerguelen, y fue un boom increíble. 

Que en tres meses se vendieran 10.000 libros, eso es muy complicado, incluso para gente que hace bestseller, normalmente. Entonces, yo creo que ahí acompañó. Yo creo que ahora está más parada, porque hay mucha más saturación. Se cambió, a raíz de la pandemia, la manera de consumir contenidos; se ha hecho mucho más vídeo, mucho más vídeo corto. 

Redes sociales y nueva poesía 

Yo creo que para nosotros lo fue todo. Fue la manera de que gente que escribía en su casa desde muchos puntos de España, ya no solo de Madrid, que sí que había mucha más gente y más sitios para para poder conocerse y demás, para llegar a tu público. Porque yo pensaba, si me llego a diez y le gusto a tres; si llego a 1.000, le puedo gustar a 300, o a 10.000 a 3.000. Entonces, yo siempre tuve esa mentalidad de intentar conseguir, llegar a más gente, a más público para que le gustaran, ya ni pensando en publicar un libro. Eso era al principio cuando solo iba subiendo los textos. 

Joaquín Sabina, un referente 

A mí el que más me gusta es Sabina. Sabina es un referente de letras con los poemas. Porque yo al final los textos y la prosa poética lo veo más como una canción sin música, que un poema más clásico, por así decirlo.  

Autopublicación 

Es más curro, llegas a menos gente, pero los tienes protegidos [libros], porque los tienes tú, y sacas mucho más dinero. Porque al final, entre un 6%, 8% o 12% o 14%, que ya es muchísimo, que te puedes llevar de los royalties con cualquier otra editorial, tú, bueno, tienes que poner dinero, pero es que te llevas todo. O sea, igual le sacas, te cuesta dos euros y pico, tres euros el libro con todo, ¡eh!, con la edición, con la maquetación, con la impresión y con la distribución. (si haces tú la distribución propia, claro), y el resto de dinero es limpio para ti. 

Poesía y editoriales: una relación compleja 

Porque yo eso lo he vivido. Yo tengo libros que han seguido vendiendo seis o siete años después, y que cada año seguían vendiendo, y vendían más, y libros que he sacado con otras editoriales (editoriales muy grandes) y que, igual, ellos esperaban más del primero o del segundo mes, pero es que al mes y medio o los dos meses, ya no lo tenías, ya era muy difícil de conseguir: ya no estaba en escaparates, ya no estaba en los sitios. Entonces, eso también pone en riesgo tus derechos de autor, porque es complicado para la gente poder encontrarlo si lo quiere. Porque ya te preguntan a ti directamente, yo por eso opté después por autopublicar. Yo ya tengo mi público. 

Atrapado por el cierre de su editorial  

Si tú has hecho ganar a alguien mucho dinero, porque ellos ganan muchísimo más dinero de lo que nos llevamos nosotros como autores —y te has portado bien con ellos— ten la deferencia de «mira, pues nosotros ya no podemos más por X razones, toma, tienes los derechos de los libros». Tienes los libros tú para hacer lo que quieras.   

Cómo mejorar la relación autor-editorial  

Que se pudieran cancelar directamente los contratos. Si tú estás incumpliendo, incumpliendo con los pagos o incumpliendo, incluso, con no tener el stock suficiente o que no llegue a las librerías, directamente, que un abogado pudiera mandarles un burofax, «mira, se acaba la relación por esto». Y no tener que esperar o ir a juzgados… esperar a que te los liberen… a que te contesten… Debería de hacerse inmediatamente. «¿No estás cumpliendo con el contrato?», vale, no pasa absolutamente nada: «Se acabó». 

El futuro 

Que va a haber más libros, igual no un libro al año, pero sí un libro cada año y medio, cada dos años. Algunas novelas más. Me gustaría también probar a hacer alguna novela de fantasía.  

Pero para eso tengo que tener la cabeza tranquila. Tiene que La Disfrutona [su local de conciertos en A Coruña] acabarse de alguna manera el proyecto, porque al final cuando estás metido en otros proyectos es muy complicado dedicarte tiempo a ti. Que es lo que estoy intentando ahora aprender y corregir, porque justo esta semana hace tres años que abrimos. 

Pero, a partir de esos tres años, año y medio más, a mayores. Y todavía estoy aprendiendo ahora a dedicarme tiempo a mí, y ya no solo a estar preocupado o trabajando para el negocio, que bloquee esa parte creativa; que a mí nunca me había pasado, pero sí que la dejé un poquito de lado. Entonces, es volver a contar conmigo mismo y seguir explorando y lo que me gusta. Seguramente, no para ganar un sueldo, que nunca se sabe puedo volver a dar un pelotazo en cualquier momento porque todo vuelve, pero sí para seguir siendo parte de mí, que es de lo más importante. 

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«¿Son errores o es lo que tenía que pasar?» Adrián Vidal García pisa con seguridad en un terreno tan resbaladizo como el de la creación musical, donde aspira a dejar huella a golpe de esfuerzo y pasión. Este joven compositor y percusionista coruñés, premio Safe Creative Creators 2024, asegura tener la rara habilidad de moverse con soltura en los pentagramas de los más diversos géneros: desde la música clásica a los ritmos urbanos, pasando por las bandas sonoras o el jazz. Capacidad que aplica a la composición, a su labor como docente y como productor en su estudio AV Géminis. Sobre cómo vive el presente y ve el futuro, habla con sinceridad en un vídeo en que asegura que «es un cúmulo de circunstancias» el que modela la biografía de un artista, y es que Vidal García cree que el destino son nuestras propias decisiones.  

Quién soy 

Soy Adrián Vidal García, soy compositor, técnico de sonido y percusionista. 

El fin último es vivir de mis composiciones y llevarlas al plano realista-acústico, dentro de lo que se pueda, si se trata de bandas sonoras, pues hacer como un concierto de bandas sonoras, ¿no? 

Quiero también que aumente la academia online, pero también trabajar con artistas. Porque el trabajar con artistas, aparte de que me gusta −y también me gusta dar clases, si no lo no lo haría−, pero el tema de artistas [trabajar] también me da visibilidad, me ayuda a explorar más estilos, seguir enriqueciendo mis recursos y todo eso va encaminado hacia el tronco central. Así, ahora mismo van paralelos, pero llegará un momento en que la lanza se afile y apunte hacia un único objetivo.  

Compositor multigénero 

Hay gente que se dedica, por ejemplo, a crear simplemente instrumentales urbanas, hay otra gente que se dedica a hacer bandas sonoras, hay gente que se dedica meramente a música clásica: yo, a todo. Va a quedar poco humilde, pero tengo la facilidad de componer cualquier cosa, a día de hoy.  

Género favorito 

Yo diría, quizás, música clásica y bandas sonoras, porque es donde más formación he recibido. 

Yo al final compongo para satisfacer mis necesidades creativas, no compongo «para»…. O sea, indirectamente compones «para…», porque si tu música no gusta, no vas a poder vivir de ella. Eso va inherente, ¿no? Aun así, no puedo ir en contra de algo que es mío −de forma innata, tener que estar con muchos palos−, porque la gente no lo entienda. 

Referentes 

Tengo referencias, no referentes. Porque un artista, como tal, hay cosas de un artista que me gustan y no me gustan. Por lo tanto, no puede ser un referente al cien por cien. O sea, un referente al cien por cien, para mí, sería alguien que hiciera todo bien perfecto, siempre. Y eso es imposible.  

Entonces, yo lo que voy cogiendo es de cada huerta, de muchísimas huertas, pues un fruto y me hago una ensalada. Eso es lo que hago. Ahora, como referente, ninguno. Sí que hay compositores que me gusta escuchar, Brahms, Sibelius… esos compositores me gustan, pero no son referentes, no aspiro a ser como ellos. 

Cómo darse a conocer  

Concursos, de los que no soy muy partidario, porque al final tú obra puede funcionar muy bien y tener muchísima calidad, pero al final está subjetivizada por un tribunal. Entonces, en parte, se basa en el gusto del de la gente que te está valorando, por eso no soy muy partidario de los concursos. Y luego podría haber certámenes, que no lo tengo tan visto, tampoco me he informado mucho, certámenes de banda o de orquesta, donde, pues, mandas una obra o hacen como una criba o, a lo mejor, pues cogemos a diez compositores para que toquen diez piezas en un concierto o en un certamen y ahí no hay competición ninguna. Bueno, la competición sí que está porque hay criba, pero bueno, en esos diez compositores no compiten entre ellos, simplemente es un muestrario. 

Premio Creators de Safe Creative 

Yo creo que es un poco diferente, porque el concurso que estoy mencionando yo, es el que tú subes para competir; o sea, vas directo: voy a competir con más compositores y quiero ganar. El Safe Creative es, en Creators, es diferente porque tú subes y a lo mejor eres premiado. Pero yo, por ejemplo, cuando subí, no subí con la premisa de ser premiado, yo subí para darlo a conocer. Otra cosa es que, luego, ganó. 

Derechos de autor 

Yo siempre registro todo. Esa concepción de hijo, porque al final es como que tú lo plasmas, nace aquí en la cabeza, y de ti sale, como que para que venga otra persona, y se lo agencie. Suena egoísta, pero es que es así: lo veo injusto. Que alguien, que a lo mejor tenga facilidad para crear o tenga esa mente creativa, saque provecho de otra persona. 

Aprender de los errores 

Vale, es buena esta pregunta, ¿eh? La cosa es: ¿son errores o es lo que tenía que pasar? Esa es la cuestión. Yo no concibo errores, es decir, sí que hay cosas que podrías hacer de otra manera en el pasado, pero realmente esos hechos que tú a lo mejor percibes como errores, no son tanto errores sino acciones o situaciones que se han creado y te han llevado al momento en el que estás ahora. 

A lo mejor mi momento de despuntar no es ahora. Y a lo mejor, en esta vida, ni despunto; y a lo mejor, me toca despuntar a los 40, no lo sé. Pero es que al final son todos los hechos y errores que he tenido en el pasado que me han llevado pues a equis punto, ¿no? Que dices tú: «pues es el destino». Puede ser, pero al final es el cúmulo de circunstancias que te ha llevado a un punto equis, que ya vendrá, o no vendrá, o te llevará a otro lado que no tenías pensado. 

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En este episodio de ProCreative, Iván Patxi conversa con el diseñador gallego Antonio Soto, fundador de la marca Soto Lago.

En este episodio abordamos algunos de los retos e inquietudes a los que se enfrenta Soto Lago, su marca de moda, su marca comercial, la propiedad intelectual, las redes sociales y los modelos de negocio de la moda.

Que importante es su trayectoria y sus raíces artesanas y su irrupción en la escena nacional de la moda con su participación en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid como vimos en el anterior episodio que puedes también escuchar.

Desde Marín, en Pontevedra, hasta las pasarelas más importantes del país, Soto ha construido un estilo propio que combina la tradición artesanal con una visión contemporánea.

Un episodio inspirador para quienes están empezando en el mundo creativo, quieren lanzar su marca o simplemente buscan conocer la historia real detrás de un diseñador que se abre paso con autenticidad y talento.

ProCreative es el podcast donde los creadores reflexionan sobre su obra, sus derechos y su voz en el mundo digital. Escúchanos cada semana y suscríbete para no perderte lo que viene.

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Producción y locución: Iván Patxi Gómez Gallego.

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Autodidacta y exquisita. Esta dibujante y arquitecta, nacida en Lima y afincada en Madrid desde 2024, experimenta con lápices y polvo de carboncillo en unas creaciones que, pese a su hiperrealismo formal, generan ensoñación en el espectador. Premio Creators 2024 en categoría Artes Visuales, Arianne Jeri es una artista en construcción que se mueve con la agilidad de sus panteras en las redes sociales, donde comparte con la misma verdad un retoque en su dibujo que todos los movimientos que su mesa de trabajo da, hasta dar con la ubicación perfecta en el estudio al que recientemente se mudó: «Hemos ido creciendo en las redes mientras yo mejoraba mi técnica», explica en esta videoentrevista en que habla sobre descubrimientos y luchas mentales.  

Mi mundo creativo 

Bueno, me enfoco bastante en la naturaleza. Me gustan los animales, me encantan las plantas, he estado dibujando muchas flores, felinos… Los felinos, no sé, tienen algo en la mirada que me encanta, entonces trato de replicar eso en el papel lo mejor que puedo. Uso lápices y polvo de carboncillo para crear dibujos hiperrealistas. 

Es, en verdad, como un juego con mi mente. No sé si es que no sé si es que estoy llegando a contar algo con lo que hago, simplemente es el hecho de que me fascina poder recrear la vida en un papel con materiales tan básicos como lápices o polvos. No sé, me gusta como seguir mi intuición para enseñarme a mí misma, las técnicas y lo que necesito hacer. No soy mucho de ver tutoriales o clases o cosas así porque me gusta a mí misma como llegar a algo a una técnica, a algo nuevo y enseñármelo a mí misma: como que sentir que mi cerebro está haciendo clic en ese momento, eso es lo que busco yo personalmente. 

Arte y redes sociales, un todo 

Empecé, por ejemplo, mi cuenta de Instagram justo cuando empecé a dibujar con lápices. Entonces han sido como el mismo camino, hemos ido creciendo las redes mientras yo mejoraba mi técnica. De hecho que, a veces, estoy dibujando y digo: «No, no puedo dibujar esta parte porque la quiero grabar». Y el hecho de tener la cámara encima, también te hace sentir una presión como que te están mirando así no hay a nadie a tu alrededor, pero sí, van de la mano. 

Síndrome del impostor 

Es algo que antes no sentía, o sea, antes de empezar a tomarme el arte en serio, yo decía, «Ay, mira, sí, yo veo eso y lo puedo hacer», y tenía como mucha más confianza. Y mientras han ido pasando los años y he ido como desarrollando un poquito más mi técnica, es como que mi confianza ha ido bajando. Que es loco, porque es como que mi técnica va subiendo y mi confianza va bajando: es una pelea mental, en verdad. 

De Lima a Madrid 

Creo que con las redes sociales puedes llegar a cualquier parte del mundo, entonces puede que no sea tan importante exactamente dónde estás, pero sí siento que acá hay muchas más oportunidades que en Lima, Perú. O sea, allá el arte no es tan apreciado, sé que acá en Europa, en general, dicen que en España el arte no está siendo tan apreciado como podría, pero es mucho más de lo que es apreciada en Perú y en Latinoamérica en general. 

Formación como arquitecta 

Sí, siento que la arquitectura me ha llevado a esa atención al detalle. Antes de la carrera, yo dibujaba, en el colegio por ejemplo, en clases. La última vez que había dibujado fue en mi último año de colegio en una clase de arte, y de ahí no dibujé por muchos años que fue la carrera, de ahí empecé a trabajar y todo. Y luego en la pandemia, cuando lo retomé e hice mi primer dibujo en lápiz, me quedé como que… ¿qué?, o sea, ¿cómo hice yo esto? Fue completamente diferente, o sea, había subido 1.000 niveles sin haber estado practicando. Y todo, yo creo que ha sido gracias a la carrera, ¿no? 

Premio «Creators Artes Visuales 2024» 

Me encanta que sea una plataforma que le da visibilidad a los artistas, sobre todo a los nuevos. Y que te premien por eso, o sea, te hace sentir como que estás haciéndolo bien, estás haciendo algo que a la gente le gusta y eso es importante, de hecho.  

Inteligencia artificial generativa 

Siento que la gente se asusta mucho con el tema de la inteligencia artificial y como eso puede, de repente, sobreponerse sobre el arte, pero yo creo que depende mucho de las personas. Si es que alguien, en verdad, aprecia lo que haces, aprecia el tiempo que le dedicas a un pedazo de papel, es muy difícil que también vean un dibujo hecho por inteligencia artificial como arte. A mí la verdad que no, ni me asusta ni siento que es algo que me va a perjudicar, siento que es algo que me podría ayudar en el futuro.  

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En este nuevo episodio de ProCreative, Iván Patxi conversa con el diseñador gallego Antonio Soto, fundador y director creativo de la marca Soto Lago. Una charla íntima y profunda sobre los desafíos de emprender en el mundo de la moda, proteger la autoría en la era digital y mantener viva la esencia de la artesanía en la creación contemporánea.

Formado en la EASD Mestre Mateo de Santiago de Compostela, Antonio Soto se ha curtido en talleres artesanos como el de Idoia Cuesta, donde trabajó con técnicas tradicionales aplicadas a marcas como Loewe o Adolfo Domínguez. Tras años de experiencia como diseñador, artesano y estilista, en 2024 lanza su propia marca y en 2025 comienza a ganar visibilidad participando en eventos como la Mercedes Benz Fashion Week Madrid.

En este episodio hablamos de:

• La influencia de la artesanía en su proceso creativo.
• Cómo nació su firma Soto Lago a partir de su colección de fin de estudios.
• Su nueva colección de moda.
• El proceso creativo y artístico tras el diseño de moda.

Una conversación sincera sobre lo que significa ser creador independiente hoy, con las cosas claras y una estrategia de crecimiento enfocada en mantener su propia esencia, trasladar su mensaje a través de la moda y mantener una ética responsable.

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Producción y locución: Iván Patxi Gómez Gallego.

La entrada Ep.99 El diseñador de moda Soto Lago nos explica su trabajo en la moda actual se publicó primero en Tips - Información de Propiedad Intelectual, Derechos de Autor, Marcas y Copyright.